DGS
Leichte Sprache
english

Hintergrund Ausstellung | Werke | Digitaler Rundgang | Tutorial

03.07.2021 – 21.07.21

Twisting your mind on textiles

Eröffnung am 03.07.2021 ab 17.00 Uhr

Wie verbinden wir uns mit Textilien? Welche Bindungen können Textilien als Material innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraktiken und ihres Publikums aufbauen? Welche Geschichten enthüllen sie? Welche Gefühle rufen sie hervor? Welche Informationen tragen sie? Die Ausstellung verbindet 13 internationale KünstlerInnen (aus Bosnien und Herzegowina, Chile, Deutschland, Litauen, Slowakei, Slowenien, Vereinigte Staaten) verschiedener Kunstpraktiken – Textilkunst, Installationskunst, Fotografie, Konzeptkunst, Klangkunst, Videokunst – und konzentriert sich auf Textilien als ihr Ausdrucks- oder Inspirationsmittel auf sensorischer und metaphorischer Ebene.

Martin Bricelj Baraga | Vanja Bučan | Mária Cukor | Katja Felle | Barbara Pia Jenič | Inga Likšaitė | Brad Nath | Juan Nazar | Mila Panić | Eva Petrič | Maja Pučl | Urh Sobočan | Kata Unger | Amalia Valdés – Kuratiert von Neža Peterle

In Kooperation mit
Gefördert durch Neustart Kultur, Stiftung Kunstfonds.

Werke

Gefördert durch Neustart Kultur

Logo von Neustart Kultur

Amalia Valdes

Die chilenische bildende Künstlerin Amalia Valdes arbeitet mit reinen und konkreten Formen geometrischer Sprache und bezieht in ihren Werken oft das kollektive Unbewusste durch Interpretationen von heiligen Symbolen aus verschiedenen präkolumbianischen Kulturen ein. Wesentlich für sie ist auch die Erforschung von Materialien, die sie verwendet, um zu verstehen, wie sich diese in unterschiedlichen Situationen verhalten und reagieren, während sie diese durch ihre Beschaffenheit beeinflusst und zu aktiven Akteuren der Partizipation macht.
Für die Ausstellung Interwoven hat sie eine neue Arbeit mit dem Titel Searching for some memory (Papier auf Leinen) vorbereitet, in der sie den Betrachter mit der Illusion eines fragmentierten antiken Teppichs einfängt. Gleichzeitig erreicht sie durch die Positionierung seiner geometrischen Papierverläufe eine gewisse Multidimensionalität der Oberflächeneinheit, die die Gedanken zwischen den Räumen zum Schweifen einlädt.

Mein Prozess hat mit der Präzision bei der Herstellung eines Webstuhls zu tun und gleichzeitig mit dem meditativen Prozess des Webens, Stickens und der gleichen Übung über einen langen Zeitraum. Kunst ist für mich wie Meditation. In dieser Arbeit interessierte mich besonders die Annäherung an das Handwerk und die Textilkunst, da es auch eine Technik ist, die von Frauen über Generationen hinweg ausgeübt wird. Ich bin auch daran interessiert, mit einem anderen Medium, wie in diesem Fall mit Papier, malen zu können, um zu überraschen und Werke zu schaffen, die keine Ausführung zu haben scheinen.

Amalia Valdes

Brad Nath

Der amerikanische Künstler und Performer Brad Nath entwickelt Raumgestaltungstechniken, die neue Formen der Empathie zwischen Mensch und Umwelt konstruieren. Seine Materialrecherchen, Live-Performances (oft mit audio-verstärkten Ziegelsteinen), Klangstrukturen und urbane Interventionen wollen die Wirkung freilegen, die in die Welt eingebettet ist, die wir für uns selbst bauen. Für Interwoven hat er ein neues Stück geschaffen, in dem er das Konzept des „urbanen Gewebes“ von Stadtlandschaften mit dem emotionalen Kapital von Textilien zusammenbringt.

„Urban Fabric ist ein Begriff, der typischerweise verwendet wird, um die physische Textur einer gebauten Umgebung im Maßstab einer Stadt zu beschreiben – einschließlich beispielsweise ihrer umschließenden Wandflächen, ihrer Straßen-Rhythmen, gepunkteten Muster von Straßenlaternen und ihrer miteinander verbundenen Fußgängerzonen. Streng mit der Materialität einer Stadt umgegangen, schließt diese Betrachtungsweise der gebauten Umwelt die persönlichen, sozioökonomischen, politischen und ökologischen Faktoren des aktuellen Zustands eines Stadtraums aus – und dies sind natürlich die tatsächlichen Faktoren, die eine Stadt prägen.

Brad Nath

Um das Konzept des urbanen Gefüges in seinem aktuellen Rahmen zu erweitern, entwickelte er eine Installation, die den öffentlichen Raum mit individuellen Geschichten verwebt, eingebettet in den Berliner Bürgersteig. Dies wird durch einen Eingriff in den Bürgersteig erreicht, wobei drei neu hergestellte Betonpflastersteine ​​mit einem Textilabdruck, der für drei ausgewählte Personen (Nyla Sayman, Periklis Lazarou und Frank Wang) eine emotionale und einprägsame Bedeutung enthält, einen derzeit losen Pflasterstein an eine Stelle mit persönlicher Bedeutung ersetzen. Durch die Durchdringung des öffentlichen Raums mit den Texturen ihrer kostbaren Kleidungsstücke öffnet sich die gebaute Umwelt für eine persönliche Dimension.

Der Dialog zwischen öffentlicher und häuslicher Sphäre durch diese künstlerische Intervention setzt sich in der Galerie fort, wo man die Kleidung, die zur Herstellung der neuen Steine ​​​​verwendet wurde, neben einem Pflasterstein mit einem Monitor findet, der den Prozess des Verlegens der Strasssteine ​​im Gehweg überträgt. Gleichzeitig werden Hörgeschichten von denjenigen angeboten, die ihre kostbaren Kleider aufgegeben haben und den Hörer*innen Einblicke in die private soziale Dimension geben, die sich jetzt im öffentlichen Raum auszeichnet.

Inga Likšaite

Die litauische bildende Künstlerin Inga Likšaite – eine wahre Virtuosin und Prüferin der Stiche – entwickelte eine produktive und einzigartige ästhetische Sprache, in der die meist als rhythmisch gestickte Stoffe erkennbaren, moderierten Bilder als genähte, gestickte Wandleinwände erscheinen.In der Ausstellung Interwoven präsentiert Likšaite ihre fortlaufende Serie Body of Work, in der sie sich mit dem Thema Kreation auseinandersetzt. Durch das Zusammenfügen geometrischer und textlicher Artefakte der heutigen Bildkultur lässt Likšaite den Betrachter*innen einen Raum, um eine breit interpretierte Erzählung zu entwickeln. Die Serien großformatiger Stickereien werden durch digitales Sticken, Nähen und Handarbeit hergestellt. Physische Texturen verschmelzen mit denen, die wir als digital manipuliert wahrnehmen. Struktur und Haptik der Stiche regen einem sehr genauen Blick in das Fadenspiel an und unterstreichen den gemeinschaftlichen Charakter der Textilkunst, durch den die Betrachter*innen oft ein Bedürfnis nach taktilem Kontakt mit den Kunstwerken entwickeln.

Kreativität als Absicht, bei der intellektueller Verstand, Verspieltheit oder transzendenter Zustand zusammenwirken als erzeugende Energie für das Entstehen neuer Materie. Ich dekonstruiere den Begriff des kreativen Handelns. Spiel, Problem, Langeweile, Leere, Berechnung, Irrationalität, Praktikabilität, Sehen, Hören… es ist ein Raum, in dem Millionen von Partikeln arbeiten. Schon das Konzept der Schöpfung erzählt von etwas Instabilem und Veränderlichem. Es ist für mich interessant, solche Phasen hervorzuheben, in denen ein Impuls auftaucht, die ursprüngliche Idee untersucht, herausgeschält wird, um einen Kern zu finden. Es gibt einen Zweifel, eine Leugnung, eine Entdeckung, und irgendwann taucht eine neue Sache auf.

Inga Likšaite

Juan Nazar

Der chilenische bildende Künstler und Architekt Juan Nazar bewegt sich zwischen verschiedenen künstlerischen Medien und erforscht die Konzepte von Archäologie, Architektur und Ruine als Repräsentation einer vergangenen Zeit im Dialog mit gegenwärtigen menschlichen Eingriffen. Um über unsere Beziehung zur Vergangenheit nachzudenken, bringt er Ironie und Humor in seine Kreationen neuer fiktiver Monumente durch die Wahl billiger Materialien, Formen und Konstruktionsweisen ein. Seine Auseinandersetzung beschäftigt sich mit den Ideen des Sammelns, Gießens, Aufstellens und Bauens aus meist fragmentierten Bildern und Objekten, um einen neuen Materialkörper zu errichten: ein Denkmal und später eine mögliche Ruine.

Indem ich mit den Konzepten der Archäologie und Ikonographie arbeite, übernehme ich sowohl die Rolle des Schöpfers als auch des Sammlers und bedenke, dass archäologische Funde mehrere Bedeutungen und Lesarten haben können. Ich streife durch die Straßen der Stadt auf der Suche nach meinen eigenen Begegnungen, Teilen, Möglichkeiten und Stücken einer neuen Archäologie. Ich klassifiziere sie zuerst, um sie dann mit Fotografie, Gipsformen und Malerei zu komponieren.

Juan Nazar

In sein neues Stück Fällt auch die Sonne für die Ausstellung Interwoven fügte er ein zusätzliches Material hinzu – Textil – das über einem Styroporpodest hängend als weiße Geisterpräsenz (oder ironische Abwesenheit eines historisch benötigten Helden) fungiert und stellt eine ephemerale Atmosphäre her.

Katja Felle

Die slowenische bildende Künstlerin Katja Felle beschäftigt sich mit verschiedenen künstlerischen Medien, von Malerei, Installation, Video, Gobelins bis hin zu Computergrafik. In ihren Arbeiten möchte sie sich darüber Gedanken machen, wie die Informationsflut, der wir täglich begegnen, auch durch die sich beschleunigende Entwicklung von Technologie und technologischen Innovationen auf uns, unsere Vorstellungskraft wirkt und wie sie die Realität, in der wir leben, prägt .Ihre in der Ausstellung Interwoven präsentierten Arbeiten – Tv Static Noise, Blue Screen und Skype – beschäftigen sich mit der Erforschung von Bildern aus der Welt der alltäglichen Medien, die wir alle benutzen. Genauer gesagt interessieren sie die Störungen in der Kommunikation, die bei der Übermittlung von Informationen durch verschiedene Medienagenten entstehen, die sie in diesem Fall in Gobelins überträgt. Die Gobelins, früher in der Blütezeit der Textilindustrie beliebt und als Trend der Wohnkultur angesehen, werden heute meist als einfache Textilien und nostalgische Dekoration geschätzt, die von älteren Generationen als Hobby Handwerk betrieben werden. Im Kontext von Felles Arbeiten können wir den Generationenwechsel in der Wahrnehmung und das Verständnis eines Gobelin-Images und den Wandel des Lebensstils reflektieren. Darüber hinaus bietet uns die Nutzung des Gobelins durch moderner Medien die Möglichkeit, über den Moment nachzudenken, der auf einem digitalen Bildschirm temporär und vergänglich ist.

Sticken ist eine Metapher für das Zusammenleben und das gemeinsame Schaffen, bei dem es buchstäblich darum geht, Dinge miteinander zu verbinden und etwas Neues zu schaffen. Der Gobelin ist ein gerahmter dekorativer Wandteppich. Fernseher und Computerbildschirme in modernen Wohnräumen sind heute das Auge der Welt, der Punkt des Wissens und der neuen Erfahrungen und das Versprechen, dass wir alles bequem vom eigenen Wohnzimmer aus erreichen können. Das Livebild wird dort platziert, wo einst der Gobelin stand.

Katja Felle

Maja Pučl

Die slowenische bildende Künstlerin und Performerin arbeitet in den Bereichen Malerei, Grafik, Design, Restaurierung, Bildung, Ambient-Installationen, Kalligrafie und Tanz. In ihrer Arbeit geht es um den Prozess des Erschaffens selbst und um Wiederholung als eine Art Meditation. Pučl schwört auf einen minimalistischen Ansatz und verwendet meist nur ein Werkzeug (Bleistift, Pinsel, Nähmaschine, Wollgarn) und eine Farbe. Auf diese Weise betont sie die Reinheit der Formen und bietet eine Art visuelle Stille und einen weiteren Interpretationsspielraum.

Das bestickte Canvas Heart, das bei Interwoven präsentiert wird, ist eine persönliche Meditation über ihre erste Schwangerschaft, die sich in einer spielerischen Nach-Phase entwickelt hat. Nähen war historisch gesehen ein Handwerk, das mit Weiblichkeit, Zuhause, weiblicher Ermächtigung, kollektivem Geist, Unterstützung und einem Mittel der Erzählung verbunden ist. Wenn man Pučls Arbeit genau betrachtet, dann verbinden sich diese Begriffe durch verschwindende und wieder auftauchende, magentafarbene Stiche.

Martin Bricelj Baraga

Der slowenische Medienkünstler und Kurator Martin Bricelj Baraga schafft interaktive Werke und Skulpturen, die Räume zwischen Umwelt, Natur, Technologie und Mensch erkunden. Durch die Nutzung urbaner und natürlicher Umgebungen in Verbindung mit Licht, Klang und Bewegung schafft er kinetische Großinstallationen für die öffentliche Interaktion, die meist im öffentlichen Raum und in ungewöhnlichen architektonischen Kontexten zu sehen sind. Er konzentriert sich auf die Schaffung von Atmosphären, die unsere Wahrnehmungen herausfordern und Symbole und Mythen in einer Reihe von zeit- und raumbasierten Experimenten in Frage stellen.

Für die Ausstellung Interwoven entwickelte er eine spezielle Version DROP, einer audiovisuellen Installation, die das Schmelzen von Eis in der Zeit über Tage, Monate, Jahre hinweg zum Thema hat und als Projektionsfläche einen schwebenden Tropfen aus Lycra-Textil verwendet. DROP basiert auf einem von Baraga und Fracion entwickelten Datenvisualisierungs- und Sonifikationsstück. Die Komposition, die Tropfen als Metapher für schmelzendes Eis visualisiert, verändert sich schnell, während wir uns dem gegenwärtigen Moment nähern – und erinnert uns deutlich an seine Dringlichkeit. Der Datensatz stammt aus dem Projekt IMBIE, einer Zusammenarbeit von Wissenschaftlern, die von der ESA (European Space Agency) und der NASA (National Aeronautics and Space Administration) unterstützt werden.

Urh Sobočan

Der slowenische Grafikdesigner und Illustrator Urh Sobočan hat während seines Studiums am Central Saint Martins College of Art and Design in London zunehmend eine besondere Hingabe an sein Familienerbe, die Klöppelspitze (Weben, Flechten und Schlingen von zwei oder mehr Fadenpaaren), entwickelt. Die Erfahrung, ein Ausländer in einer „schwebenden“ Welthauptstadt zu sein, ließ ihn sich nach tieferer Stabilität und Verbundenheit mit seinem Hintergrund sehnen, was zu einer visuellen Kreuzung zweier Welten führte – zeitgenössischer digitaler Illustration und traditionellem slowenischem Klöppelhandwerk. 2006 begann er eine experimentelle Zusammenarbeit mit seiner Großmutter Iva Sobočan, Klöpplerin aus Žiri (historisch eines der Zentren der Klöppelei in Slowenien) und gemeinsam entwickelten sie eine technisch innovative Spitzen-Illustration mit einem ganz eigenen Stil. Während Urh eine digitale Illustration schuf, die vor allem von persönlichen, existenziellen Gemütsverfassungen, Märchen und seiner Familiengeschichte inspiriert war, suchte Iva mit ihren Klöppelpartnerinnen nach technischen Lösungen für die Umsetzung. Zur Veranschaulichung verwendet man für ein allgemeines Spitzenprodukt normalerweise drei bis vier Techniken der Klöppelarbeit. Für Urhs Illustration mussten bis zu 40 verschiedene Techniken kombiniert werden, um sie ausführen zu können.

Wichtig ist, dass der generationenübergreifende Dialog zwischen Urh und Iva das Ausdrucks-Spektrum des traditionellen Handwerks drastisch erweitert und eine herausragende Originalität in Form moderner Illustration erreicht hat. Mit ihrem innovativen Verfahren der Spitzen-Illustration haben sie die Spitze von ihrer traditionellen dekorativen Rolle befreit und ihr die Rolle der Erzählung und des künstlerischen Wertes gegeben.

In der Ausstellung Interwoven präsentiert er vier handgearbeitete Leinenspitzen-Illustrationen. In Grind reflektiert er seine studentischen Erfahrungen mit London und seinem Glück und Elend – der Dualität dieser Stadt. In Birth erleben wir die Geburt eines neuen Familienmitglieds und den Abschied von einem alten Familienmitglied, gefolgt von der Verstrickung der Zeit und der Unfähigkeit von zwei Generationen, sich wirklich zu begegnen. Während Temptation vom Konzept der Selbstversuchung erzählt, entführt Dance in die geheime Welt der Märchen.

Vanja Bučan

Die slowenische Fotografin Vanja Bučan konzentriert sich auf inszenierte Fotografie und versteht Fotografie als einen Raum, in dem sie ihre Ansichten und Kritik an der Gesellschaft frei äußern kann. In ihrem charakteristischen künstlerischen Stil verändert sie ihre eigenen Fotografien und platziert sie in inszenierten Kompositionen, um dekonstruierte und facettenreiche Realitäten zu erreichen, die einen bildreichen Ausdruck generieren. In ihrem gesamten fotografischen Werk lässt sich eine bedeutende Rolle von Textilien beobachten.

In ausgewählten Arbeiten aus der Serie Looking for Sadiq und Bestiary, die in der Ausstellung Intervowen präsentiert wird, flirtet Bučan unbewusst mit Kleidung als Identität eines bestimmten Lebensumfelds sowie Kleidung als Rohstoff in Bezug auf die Natur. Die Texturen der natürlichen Umgebung sind mit der Symbolik des Kostüms verflochten. Bučan schafft „fiktionale“ Ökosysteme und fügt ihren Stillleben mit Textilien oder Kleidung neue Bedeutungen und Interpretationen hinzu. Die Bedeutung von Textilien als Rohstoff ist nicht zweckgebunden, sondern nur kontextuell, sie weist lediglich auf menschliche Sozialisation und Herrschaft über den Lebensraum hin.

Eva Petrič

Die slowenische Multimedia-Künstlerin Eva Petrič kreiert in den Bereichen Fotografie, Video, Performance, Installation, Sound und Literatur. Eine ihrer künstlerischen Hauptaufgaben ist es, Räume zu schaffen: physischer Raum, mentaler Raum, sichtbarer Raum im Raum, imaginärer Raum, metaphorischer Raum, alle definiert durch die Atmosphäre, während sie verschiedene Medien miteinander verbindet und die Verbindungen zwischen ihnen beobachtet. Seit 2012 kreiert Petrič monumentale Assemblagen aus gespendeten und recycelten handgemachten Spitzen, die eine Geschichte über den sentimentalen Wert von Textilien im Leben des Einzelnen und ihren Wunsch nach einer partizipativen Rolle erzählen. Spitzen aus der ganzen Welt, vereint in einem Kunstwerk von Petrič, tragen eine Botschaft von Kollektivität, weiblicher Ermächtigung und Ehrfurcht vor einem kulturellen Erbe, das von Generation zu Generation, hauptsächlich von Frauen, weitergegeben wurde.

In der Ausstellung Interwoven präsentiert Petrič Astrocyte Garden’s Visitor – bestehend aus der Spitzen-Assemblage Astrocyte Garden und dem Video Visitor mit einer Art Hologramm-Körper, dessen subtile Präsenz „auch ein Kommentar zur Schlauheit der Technologie in unserem Leben ist und die buchstäblich “unter die Haut” geht, ohne dass wir es wirklich merken.“ (E. P.)

Mila Panić

Die bosnische bildende Künstlerin Mila Panić hinterfragt die bestehenden Narrative der Diaspora und Fragen der Phänomenologie des Ortes, wie zum Beispiel den erweiterten Begriff der Zugehörigkeit, und lässt ihre persönliche Erfahrung immer wieder zum Vorschein kommen. Dabei adressiert Panić das ständige Streben nach einem besseren Leben und Integration, indem sie persönliche Erwartungen und Schuldgefühle mit Intimität als Werkzeug des Widerstands ausbalanciert. Wie Panić es ausdrückt:

In Anbetracht der Natur meiner Arbeit, in der sich Bewegung, Migration und Heimat immer überschneiden, kann ich sagen, dass ich mich für den Komfort und das Unbehagen des Lebens und die Schaffung von Zwischen-Orten und Kontexten und deren Beziehungen interessiere.

Mila Panić

Panić hat für die Interwoven-Ausstellung mit dem Titel Mother’s eine neue Serie von Mixed-Media-Arbeiten auf Papier vorbereitet. In dem Wunsch, sich mit ihrer Mutter zu versöhnen und aufgrund der fehlenden Präsenz und Nähe der Mutter in dem Moment, in dem die Künstlerin zur Frau wurde, präsentiert sie zwei BHs, die in diesem Zusammenhang zum Medium der Nähe werden. Es sind die einzigen Kleidungsstücke, die die Künstlerin spontan vor ihrer Mutter für sich behalten hat. Obwohl diese Bilder sehr persönlich sind und die symbolische Dimension von der Künstlerin bestimmt wird, überschreiten sie dennoch die Sphäre der reinen Intimität. Die Arbeit evoziert eine posthume Intimität, in der Objekte zu mächtigen Speichern menschlicher Berührung werden.

Maria Cukor & Barbara Pia Jenič

Die slowakische Multimedia-Künstlerin Maria Cukor bezeichnet sich selbst als interdisziplinäre Schöpferin, die durch ihr Aufwachsen in einer Stadt zwischen zwei Nationalparks ein starkes Gefühl für Natur und Lebewesen entwickelt hat. Die meisten ihrer Arbeiten bestehen aus Upcycling-Materialien oder Stoffen, die sie auf dem Dachboden, in Second-Hand-Läden und auf Flohmärkten gefunden hat.

Die slowenische Theaterregisseurin und Forscherin für sensorische Kunst Barbara Pia Jenič ist eine Pionierin der sensorischen Kunst in Slowenien. Sie produziert Theateraufführungen, in denen sie ihr Publikum einlädt, alle Sinne zu öffnen und Kunst auf einer ganzheitlichen Ebene erlebbar zu machen. Jenič erforscht auch den Einfluss von Düften und olfaktorischer Kunst auf andere Kunstformen und auf die Psyche der Menschen und ihre Wahrnehmung eines Kunstwerks in den Theater-, darstellenden, bildenden und auditiven Künsten.

Cukor hat eine Textil-Installation geschaffen, in der Besucher von Interwoven ihren Kurzfilm The Door Opens in der sicheren Umarmung aus Textilien und aus Düften von Jenič erleben können. The Door Opens ist ein Kurzfilm, der auf einem Performance-Projekt basiert und Cukors Interessen in der Welt der Musik, Bühnenkunst und Handwerk vereint.

Es ist ein Ritual, ein Gebet, das die Tür öffnet, die niemals hätte geschlossen werden dürfen. Wie viel von der inneren Welt kann das Tageslicht überleben? Wie viele Visionen lassen wir wahr werden? Der Konstante der inneren Transformation zu folgen und sie zu lieben, während man die Funktionsweise der wesentlichen Unsichtbaren erforscht.

Maria Cukor

Jenič entwarf die Düfte, die Cukors Film interpretieren und die Gefühle sammeln, die er hervorruft.

Kata Unger

Die deutsche bildende Künstlerin Kata Unger verblüfft mit herausragenden und großformatigen Wandteppichen, die aus der Tradition von Punk, Dadaismus und Subkultur stammen und als Synchronität von Objekt, Malerei und Zeichnung funktionieren. Ungers Wandteppiche bieten eine komplexe, intellektuelle und philosophische Meditation über unsere Gesellschaft und beeindrucken gleichzeitig mit den lebendigen Farben von Ungers selbstgefärbter Wolle, einer hoch ästhetischen Bildsprache und einer zeitgenössischen Perspektive auf das Weben als eine der ältesten Künste der Menschheit. Gewebte, abstrakte Begriffe in Ungers Werken sind nicht nur die Materialität des Wortes, sondern auch die Referenzialität neuer Diskurse.

Sie präsentiert den Wandteppich E-Zone auf der Interwoven-Ausstellung. Durch diesen Wandteppich werden wir sofort in eine Welt getrieben, umgeben von leuchtenden, lebendigen Farben und einer grotesken Szenerie. Wir werden versuchen, Objekte im Wasser zu erkunden und Verbindungen zwischen ihnen zu finden. Wie CG Bellmer bemerkt, kann man verstehen, dass „die dargestellte Szenerie nicht aus einer drolligen Märchenwelt stammt und wir haben eine Idee, dies ist die Tragödie von Agbogbloshie in Ghana, der größten Deponie für Elektroschrott aus Deutschland in Afrika [.. .] am Ufer der einst bezaubernden Korle-Lagune.“

Digitaler Rundgang

Tutorial

In dem Video-Tutorial erklären die Künstlerinnen Tau Pibernat und Elena Sofia Stranges in einfachen Schritten, wie alte Stoffe mit natürlichen Farben neu gefärbt werden können.

Gefördert durch Neustart Kultur

Logo von Neustart Kultur
Scroll to Top Skip to content